Las pinturas de Felipe Quiñones surgen de la confluencia entre el control depurado de la figuración y el azar de la mancha experimental. El análisis previo del encuadre, mediante bocetos y referencias fotográficas, permite al artista resolver las relaciones formales y conceptuales entre figura y fondo. El resultado es la exaltación figurativa, en atmósferas que parecieran desbordar los límites que impone el formato material.
La figuración es de un detallado y controlado oficio pictórico, que utiliza diversas densidades de materia para producir luminosidades de claroscuro y contraluz, entre otras. Las formas aparecen delineadas en base al contraste zonal, como también transfiguradas de manera dinámica y gestual hacia fondos neutros o de intensidades cromáticas de la dualidad frío – cálido. La condición dinámica de los cuerpos, así como la neutralización de la perspectiva en pos de lo ambiguo y etéreo establecen claras relaciones con el Barroco y artistas tales como Rembrandt y Velásquez, referentes iconográficos de Felipe Quiñones.
El artista plantea los aspectos centrales que rigen su trabajo, cuando señala, en sus propias palabras: “A lo largo de mi carrera he intentado transitar por mis propias introspecciones derivadas de mi entorno social y de desarrollo como persona y artista, estas se han visto representadas con mayor consciencia a lo largo de mis últimas obras evocando mi propia reflexión y necesidad de dialogo conmigo mismo. Creo que cada obra responde a esta relación y busca su interacción con el receptor acercándolo simbólicamente a la imagen de donde revelo de alguna forma el proceso de mutabilidad vivido.
Las figuras representan situaciones en disyuntiva, donde ideas formuladas desde los recuerdos actúan entorno a tomar decisiones que determinaran los actos de estos asociando la percepción subjetiva en situaciones límites con momentos a temporales.
Me interesa generar una tensión en la imagen usando los elementos plásticos de la pintura, la mancha, la luz, el esgrafiado, la impronta, el color, a partir de ahí conjugar desde la intrínseca expresividad del acto. Una vez estabilizada la imagen desde las formalidades de la pintura naturalista comienzo a deconstruir la obra hasta reivindicar el error, no buscándolo desde el juego lúdico sino mas bien apelando al material, a la materia orgánica como expresión misma, hasta mutar el material llevándolo más allá de la pasiva imagen a representar sino a otorgarle a la percepción proyectada del material la mediación de la ambigua situación de disyuntiva.”
(english)
FELIPE QUIÑONES
“ESPACIO ULTERIOR”
From its beginnings to the present, the work from the artist has clearly manifested its fascination for the continent of the sensory and expressive, addressed from a human figure approach. At these coordinates, Quiñones has made the academy derived figurative rigor coexist with the spot and the color as pure phenomena. This is how a pictorial scene with a lost in thought vibrato is erected, with diffused women, which deny their look to the spectator and whose existence takes place in other spaces and truths.
“Espacio Ulterior” -in which the artists quotes Odile Redon, Matisse and the concept of “vibrant matter” by Jane Bennett- is situated in the fields of introspection, the reversion of portrait and the quote to visionary art. The baroque atmospheres in “Anunciación” and “Disolución” (Bahía Utópica. 2017, 2019) are now complemented with scenes of hallucinated and exultant luminosity as a vast assemblage in which the pristine beauty of the human being flows.
“Espacio Ulterior” integrates control and experimentation. The pictorial gesture, now even more precise in its execution, crystalizes in sketches the overflowing of nature and what is human. The prevalence of a cold palette highlights in an elegant way the warm notes of the clothing, the quotes to the textile design, and a hand that raises in an alliance invoking the threshold.
Following the quote to Redon when he mentions the use of: “the logic of the visible in service of the invisible”, Quiñones returns to the face as the cornerstone of identity (and its called into question). Together with the duplicated woman and the look that denies the spectator, frontal faces of a serene enigma appear, which reveal new intensities of existence. The body turns into a receptacle and a trigger to the ulterior and liminal. That is how the states of ecstasy appear, as well as the transition to further but inherent zones, where the pre-consciousness, the void and the oneiric inhabits.
In the integrated coexistence of the accident and the pictorial matter, and the balance between planes of edge and transition, Felipe Quiñones exposes the layers of what is real, in a way of quoting the spaces and experiences that are beyond representation. In the words of the artist: “this analogy would serve as a link impregnating a reciprocal sensation of the sensory and organic, the ordinary and the endearing”.
